можно ли говорить о кризисе современного искусства

Проблема современного искусства последние дни яростно мусолится чуть ли не всеми поголовно участниками СНОБа, начиная от всегда сведущих во всех вопросах сотрудников редакции и авторитетнейших членов клуба, вплоть до вчераподписавших участников. Разрешения спора нет. И, как и любой конфликт в истории человечества, дискуссия по поводу творчества Херста (который, в принципе, давно уже не заслуживает чести быть поводом для дискусси образованных людей) закончилась вызовами на дуэли, татами и т.д.

Проблема, однако, имеет намного более широкий охват нежели современное искусство или снобщество.

В тупик зашла магистральная ветвь современной культуры.

Суть проблемы, как водится, в институтах формирования общественных установок.

На сегодняшний день есть два подхода к систематизации информации. Академический, специалисты начинают изучать мир от первобытности, «текстов пирамид», от Платона, от Христа и дальше планомерно двигаются в направлении современности накапливая все больше информации. Пост-модернистский подход заключается в том, что специалисты, наоборот разбираются в современных формах коммуникаций, и углубляются в историю лишь для того, чтобы найти подтверждение своим теориям, выискать прецеденты и, таким образом, получается, что двигаются наоборот, от современности в глубь истории. И представители двух этих направлений не смогут встретиться никогда, так как история человечества уже слишком велика, чтобы можно было хотябы дойти до середины. Поэтому и диалог между представителями двух этих направлений не возможен. Что приводит к неизбежности конфликтов, кризисов, которые всегда зиждутся на непонимании, неумении вести диалог, какой-либо трещине в системе, которая разрастаясь влечет за собой и разрастание кризисов и конфликтов.

Нужен качественно новый подход. Поэтому появилась тенденция замены менеджеров провидцами. Возрастает интерес к маргинальности.

— художника, который родился через сотни лет после Рембрандта и понимает, что ему жизни не хватит, чтоб сделать хотябы также.

— художника который катается по холсту измазавшись в краске, в поисках новой формы выразительности.

Худжожник ар брют абсолютно естественен. Он ничего не ищет, он делает, что должен. На примере авторов ар брют, мы видим не привычную картину развития личности. Вылупление из яйца, дальше социализация, воспитание, образование и дальше, под влиянием моды, времени, общества, человек становится профессионалом, выучивается быть собой. Представители, ар брют, не учатся, они всю жизнь только борятся с обществом, которое не дает быть им теми, кем должны быть по праву.

Так как искусство, как известно, феномен или зеркало культуры, кому как больше нравится. Соответственно, в современной культуре уже наметились тенденции перехода к культуре ар брют, сырой, естественной, приближенной к природе. Без экспертных оценок.

Но все эти факторы находятся в рамках культуры магистральной они лишь указывают на неизбежность перехода к маргинальности, а за рамками мейнстрима ничто человеку адаптированному к современной культуре не может быть понятно. А поэтому, старшно.

Хотелось бы не видеть проблем, не боятся, а спорить себе всю жизнь, потягивая бренди, о творчестве Дэмьена Херста, которое «так сладко и приятно».

Источник

Кризис современного искусства

Содержание:

Если вам тяжело разобраться в данной теме напишите мне в whatsapp разберём вашу тему, согласуем сроки и я вам помогу!

По этой ссылке вы сможете найти рефераты на любые темы и посмотреть как они написаны:

Посмотрите похожие темы возможно они вам могут быть полезны:

Введение:

Искуство и создание мира

С начала XIX в. одно из главных противоречий искусства четко выявлено, что в будущем станет причиной его смерти: противоречие между вымыслом и технологией. Все больше и больше художников начинают сходиться во мнении, что отсутствие фантазии, воображения можно заменить сложными технологиями.

Художник обязан оттачивать свое мастерство таким образом: овладение словом, знание техник и т. д., чтобы в результате можно было добиться эффекта реального переживания. Итак, в литературе сколь угодно много мастеров литературной техники, но именно это умение и загоняет писателя в тупик, он не знает, где применить это и что с этим делать. Сначала вы можете обойтись с помощью постоянно растущих тонкостей и сложностей, побеждая литературу, обостряя саму литературу, но в конце концов художник начинает менять чувство жизни, пока оно полностью не исчезает.

Анализируя новое искусство, появившееся в 1910–1920-х годах, Ортега-и-Гассет в своей книге «Дегуманизация искусства» выделил в нем следующие тенденции:

Современное искусство в тренде приводит к вытеснению человеческих элементов из искусства, оно очищено; наступит момент, когда человеческое содержание искусства станет настолько скудным, что станет почти невидимым. И тогда только те, кто обладает даром художественной восприимчивости, поймут это. Это будет искусство для художников, а не для масс.

Проблема гения

С точки зрения русского искусствоведа и философа Вейдла современные художники хотят разрушить условности, сломать литературные обложки, лишь бы найти под ними только голое, ничтожное ничто. Все это приводит искусство к кризису, и его первой причиной было, начиная с эпохи романтизма, но только сейчас с полной силой ощутившей пропасть между искусством в целом, т.е. любой возможной формой искусства и человеческим содержанием, человеческой душой сам художник.

Даже заглядывая в глубь себя, человек не видит там ничего, кроме не живущего, а только мыслящего Я, претендующего на абсолютную власть над всяким явлением насквозь проанализиро-ванного мира.

Кризис современного искусства

Стиль не может быть ни изобретен, ни воспроизведен; вы не можете выбрать в качестве готовой системы бланков, подходящих для переноса в любую ситуацию; подражание ему приводит только к стилизации.

Стиль дается искусству не искусством, а заданием, целью, тем, что служит искусству: хотя, конечно, не имеет значения, что оно служит, где и при каких условиях оно получает свои задачи. Например, все стили в архитектуре были основаны на строительстве храма, то есть в служении самым высоким потребностям. Все известные нам целостные стили рождены религией, и мы получили от нее эту целостность. В европейском мире это древнегреческий стиль византийский, готический, а также тот, который родился в Италии (в Тоскане, во Флоренции) во времена Ренессанса. Соответственно, наиболее выдающимися произведениями этого стиля являются Пар-Фенон, собор Святой Софии, готические соборы Северной Франции, собор Святого Петра в Риме. Теперь все эти стили остались в прошлом, но память о них живет в нынешнем бессилии, в архитектуре, которая делает наши города одинаковыми.

Они пытаются заменить отсутствие стиля на стилизацию, но он отличается от стиля тем, что использует формы, которые разумно изолированы от стилистического единства, чтобы восстановить это единство таким же рациональным способом. Точно так же исчезновение из искусства человеческой жизни, души, человеческого тела означает замену логотипа логикой, торжество расчетов и расчетов голого ума.

Присылайте задания в любое время дня и ночи в ➔

Официальный сайт Брильёновой Натальи Валерьевны преподавателя кафедры информатики и электроники Екатеринбургского государственного института.

Все авторские права на размещённые материалы сохранены за правообладателями этих материалов. Любое коммерческое и/или иное использование кроме предварительного ознакомления материалов сайта natalibrilenova.ru запрещено. Публикация и распространение размещённых материалов не преследует за собой коммерческой и/или любой другой выгоды.

Источник

Можно ли говорить о кризисе современного искусства

А вот такую тему решил закинуть. Обсуждение ради самого обсуждения, естественно. Интересны мнения.

В настоящее время не только в музыке, но в искусстве вообще (хотя я буду говорить применительно к музыке) наблюдается кризис развития, в самой возможности преодоления которого я сильно сомневаюсь.
После того, как само отрицание было избрано в качестве метода и, более того, этот «голый» метод был возведен в ранг искусства (Д.Кейдж, Д. Бэйли и др. примеры можно отыскать), создание качественно нового видидится весьма проблематичным.
Действительно, в каком направлении развиваться, товарищи? Остается только эклектика на базе созданного.

Лично я в этом контексте разделяю пессимизм С. Курехина, еще в 80-е годы заметившего, что по его мнению никакого развития и никакого формирования нового языка (говорилось применительно к музыке) уже никогда не произойдет.

Игорь, расскажите пожалуйста, что за «метод отрицания»?

В чем сложности-то,
На сколько я понимаю под методом отрицания подразумевается отрицание индустриализации процесса создания музыки, процесса штамповки, что и породило, алеаторику, фри, неповторяемость произведений, что дает возможность зафиксировать момент восприятия автора в конкретном времени, как фотография.

А кризис-то дело житейское, не совсем музыкальное.. Имеет отношение ко всем уровням организации материи.

Возможно 2012 год все поменяет и время дуализма, противопоставлений окончится и настанет время интеграции.

Пока что в музыке не удалось в полной мере воплотить абстрактный подход и «да» и «нет» вместе.

С другой стороны в междисциплинарном подходе, музыка раньше или позже займет свое полноправное место, снова слившись с ритуалом, только после всех своих блужданий без религиозной составляющей, она вернется не в таком-же виде в риуал, который также притерпит.

мы находимся на возможном пороге слияния свободного музыкального исскуства с новой космической религией.

А теперь и отрицание не оригинально. Двигаться больше некуда.

( Еще раз повторяюсь, что название присвоено мной условно. Можете назвать это как хотите)

Зоряна, оч. интересное мнение, но сдается мне, что вы шутить изволите 🙂
И что за загадочный год такой 2012?

Нед, я размышляю исходя из того, что знаю на сегодняшний день.

Представь, настает конец периода, начавшегося 5125 лет и 4 с половиной месяца назад.

Там больше о строении календаря, а если интересует весьма непредвзятое мнение по поводу того почему 21.12.2012 имеет значения, могу поделится вне топика.

Расширение человеческих возможностей, а именно слуха, чтобы воспринимать больше частот, и интеллекта(?), чтобы сознавать больше музыкальных голосов разом. Ну и сплав с другими видами искусства. Создание новых инструментов. Возможно, единение сознаний и коллективное прослушивание музыки, когда каждый воспринимает переживания всех. Ещё постоянное сопровождение речи музыкой можно сделать, как передача чувств собеседника. 🙂

Ну или более совершенный, дивный мир за порогом смерти, где мы, вместе с Богом, будем бесконечно творить новое.

Зорян, расскажи мне про 2012 пожалуйста. 🙂

Нанотехнологиями из которых будет состоять наше кибер-тело. ))

Или, ещё раз повторюсь, отсутствие тела и единение с вечным Богом. 🙂

Вся нижеследующая информация может восприниматся со словом «Допустим.»

Начну с символлизма:
На примере лунного цикла майя видели цикличность всех жизненных процессов со своей периодикой и феноменологией.
Весь календарь построен в 13-чно 20-чно 18-чной системе исчислейий.
С начала цикла до полнолуния проходит ровно 13 дней, а полный цикл составляет 20 дней. 20 дней-это как наш месяц.

Дальше проведем аналгию между лунным циклом и дыханием, когда начало цикла символизирует вдох(сближение возДуха и легких), полнолуние(наполненность) и уменьшение луны(выдох).
В майянском календаре основное различие от нашего в уровнях и категориях подсчета.
У нас все оканчивается годами, которые умножаются на 10, 100, 1000.

«1 уинал = 20 дней;
1 тун = 18 уиналов = 360 дней (приблизительно 1 год);
1 катун = 20 тунов = 7200 дней (19 лет 265 дней);
1 бактун = 20 катунов = 144000 дней (394 года 190 дней; 400 тунов);
1 пиктун = 20 бактунов = 2880000 дней (7890 лет 150 дней; 8000 тунов);
1 калабтун = 20 пиктунов = 57000000 дней (156164 года 140 дней; 160000 тунов);
1 кинчилбтун = 20 калабтунов = 1152000000 дней (3156164 лет 140 дней; 3200000 тунов);
1 алаутун = 20 кинчилбтунов = 23040000000 дней (63123287 лет 245 дней; 64000000 тунов).»

Следовательно каждый уровень подразумевает цикл другого уровня(дыхание высших порядков).

Начало Пятого Солнца(эпоха) произошла 11 (13) августа 3114 до н. э.

Конец Пятого Солнца (большого цикла из 13х144000 дней) произойдет где-то между 21.12.2012 и 23.12.2012 в день зимнего солнцестояния

Дата на календаре будет выглядеть 13.0.0.0.0

и следовательно большой выдох галлактики(не вселенной) окончится, в один из этих дней (неточность из-за 2-х дневной корелляции), а солнце будет направлено к ее центру и большой цикл начнет стадию сближения(духовного в том числе).

концу каждого периода характерны черты противопоставления, тезис-антитезис. Разделение на мы-они, черное белое, разобщность, дезинтегрированность всех и вся.

В начале каждого периода, происходят глобальные эволюционные изменения во всех сферах жизни и единственное, что майя советовали на этот счет-принимать все изменения, как естественные, так как это единственный способ выжить для тех, кто пережил переход(конец).

вроде бы так. если че не ясно-дополню, но попрошу заметить, что я пока академической степени не защищал по этому поводу и приемлю любые аргументированые дополнения и изменения со стороны знающих, а критиковать не стоит- это ж не диссертация..

Источник

Переживает ли упадок современное искусство?

В общих чертах я уже касался этой проблемы, рассматривая соотношение искусства и культуры. Но, думаю, полезно остановиться на некоторых особенностях в развитии современного искусства и на тенденциях его развития.

Нередко возникает вопрос: деградирует ли нынешнее искусство или же, наоборот, переживает подъем? Поставленный в такой форме, он, собственно, не имеет ответа. Во-первых, требует выяснения, о каком конкретном виде искусства идет речь, и, во-вторых, в какой и чьей системе оценок ожидается ответ.

К «классике» мы относим главным образом искусство прошлых эпох, выдержавшее, так сказать, испытание временем и условно признаваемое в качестве некоего эталона «высокого искусства». То, что принято называть «классикой» — это, можно сказать, искусство элитарное, искусство для знатоков, профессионалов и эстетов.

Оно никогда не имело широкой аудитории, да и иметь ее не могло в силу своей специфики. Это искусство салонов, аристократических «тусовок», академических вернисажей, консерваторий, академических театров и концертных залов. Оно не умрет никогда, поскольку обслуживает определенную публику, «аристократию», понимаемую в широком смысле слова (не только и не столько родовую, сколько духовную, финансовую, промышленную, артистическую).

Оно отвечает ее кастовым потребностям и интересам и служит как бы атрибутом принадлежности к особому социальному слою. Поскольку свою аристократию имеют любой общественный строй и режим, постольку всегда будет существовать и особое искусство, посредством которого она лишний раз могла бы самоутверждаться и отличать себя от «плебса».

Наименее устойчивы в этом смысле живопись, поэзия и литература вообще, поскольку эти жанры ин- тимно связаны с духом того времени, в котором они были созданы. В самом деле: многие ли сегодня читают Гёте, Шиллера, Бальзака, Стендаля, даже нашего дорогого Пушкина, не говоря уже о Гомере или Горации? Кого сегодня всерьез могут тронуть страдания «молодого Вертера», Онегина, Печорина, Чацкого? Что могут сказать нашей душе мертвые маски гоголевских персонажей? То же скажем и о живописи. Совершенно не выдерживают проверки временем историческая живопись, живопись жанровая, портретная. Более устойчивы живопись пейзажная и натюрморты, да и то главным образом начиная с периода импрессионизма.

Классическая живопись с течением времени теряет свою эстетическую ценность, хотя сохраняет и даже приумножает ценность коммерческую, чего не скажешь о литературе. В последней более жизнеспособны некоторые драматические произведения по той причине, что они всегда могут быть интерпретированы в духе времени и подогнаны под не- го (как говорят нынче, иметь «новое прочтение»). При крайней скудости талантливых драматургов в наши дни они могут хоть как- то заполнить репертуары театров.

Лучше всего переживает время музыка — этот самый универсальный вид искусства. Она не нуждается в словах, в какой-то особой интерпретации; она не привязана ни к каким историческим событиям и фактам, не требует никаких посредников между собой и слушателями (кроме, разумеется, исполнителей).

Если даже композитор писал свою музыку по поводу какого-либо события или по заказу, то само произведение это прямо никак не отражает и по- тому не мешает его восприятию. Особенность музыки в том, что она воспринимается непосредственно слухом и как внешний шумовой раздражитель прямо воздействует на психику, минуя разум. Ведь сама музыка, если хотите, — это определенным образом организованный шум.

Если этот «шум» мелодичен и мягок и не вызывает прямых раздражений слуха, он обычно не замечается. Более того, под приятную для слуха музыку можно мечтать, читать, писать и даже спать. Если же она слишком громкая, резкая или диссонирующая, то, наоборот, вызывает неприятные ощущения, от которых хочется поскорее избавиться, «заткнуть уши».

Нет поэтому ничего удивительного в том, что, в отличие от всех других видов искусства, музыке внемлют и животные, и она также оказывает на их психику положительное или отрицательное воздействие. Факт этот свидетельствует о том, что у животных тоже имеется некое подобие души.

Знатоки утверждают, что от хорошей классической музыки у коров даже повышается удойность. Не знаю, что в этом случае повышается у эстетствующей элиты, но, по крайней мере, классическая музы- ка остается для нее одним из средств, с помощью которого она поддерживает свою элитарность и отграниченность от «плебса».

Классическое искусство не умирает, и напрасно по этому поводу волнуются и хлопочут некоторые эстеты. Теряют лишь значимость те или иные его произведения, снижается роль отдельных его жанров. Поэзия, скажем, долгое время почиталась философами высшим видом искусства (см. Кант, Гегель, Шеллинг, Шопенгауэр и др.).

Сегодня такие утверждения вряд ли встретят понимание. Я бы даже взял на себя смелость утверждать, что именно поэзия как жанр если и не находится на последнем издыхании, то очень плохо себя чувствует и ей, похоже, пора собороваться. Конечно, поэты будут всегда, но именно поэзия как владычица умов и сердец вряд ли сумеет когда-либо воспрянуть. Для этого нужна совершенно иная жизненная ситуация, нежели та, которая господствует в наше время.

Поэзия плохо выдерживает соперничество, она любит властвовать; любит, чтобы ей поклонялись. Нынче же поэзию обложили, как медведя в берлоге, телевидение с его «мыльными операми», детективами, шоу-бизнесом и прочими развлекательными про- граммами, радио, пресса и проч.

Даже серьезной музыке можно внимать, готовя на кухне обед, но поэзия требует уединения и особого настроя души. Где же их в наше время взять, коли вся жизнь превратилась в сплошную суетную и шумную круговерть? Нет, не уверяйте! — Поэзия тихо испускает дух, нет ей места в этой нашей суетной и «невкусной» жизни. И как ни странно, в душе нет места сожалению. Может быть, когда-нибудь потом, когда на земле иссякнут все энергетические ресурсы и погаснут экраны телевизоров и мониторов, замолкнет радио, вновь на какое-то время вспыхнет последним слабым огоньком поэзия, чтобы поведать кому-то о последних днях угасающего человечества… Впрочем, это еще не факт.

Спрос на нее падает, поскольку материальный достаток и быт подавляющего большинства трудящихся масс не позволяет приобретать и размещать у себя произведения живописи, да и зачем? Помните у Маяковского: «Любовная лодка разбилась о быт». Так вот об этот самый неколебимый утес-быт разбиваются не только утлые «любовные лодки», но и бо- лее крепкие корабли искусства.

Источник

«Кризис на всем ходу врезался в вершину пирамиды Маслоу»: как 2020 год подвинул современное искусство ближе к людям

За время пандемии российское современное искусство «вышло в люди». Цены на него стремительно упали, рынок рухнул, и огромное количество молодых людей, запертых на карантине, открыли для себя возможность получать сильные эмоции и покупать искусство недорого. Художественное сообщество смогло сплотиться и выступило с ответной инициативой.

Авторы и зрители. «Шар и крест»

В группе «Шар и крест» в фейсбуке, основанной коллекционером и арт-дилером Максимом Боксером, художники не только выставляли свои работы за очень скромные деньги (максимальная цена — 20 000 рублей), но и покупали работы друг друга и что-то дарили фонду «Шар и Крест» для будущего музея.

Один из протагонистов продажи в интернете за символические деньги, художник Павел Брат так объяснял Forbes Life свою мотивацию: «Кризис на всем ходу врезался и в вершину пирамиды Маслоу, на которую я и мои друзья-художники карабкались со своими предложениями товаров и услуг по самоактуализации личности. Осколки этой пирамиды ярким взрывом осветили понимание того, что «картинки на стену» в ближайшее время мало кого будут интересовать. Все это привело лично меня к более глубоким размышлениям о своей миссии как художника. Как сделать так, чтобы выжить в этом обществе и в этой ситуации? Логично, что надо приносить пользу, но в чем же она заключена и чем я вообще полезен людям. Включив в голове постмодернистский рингтон с бесконечным вопрошанием, я засел за эскизы больших проектов, а весь наработанный материал со штудиями, холстами, объектами, скульптурами стал скидывать балластом в руки коллекционеров и друзей через фейсбук, обесценивая все как минимум в десять раз. Думаю, за эти годы я создал так много произведений искусства, что если они и будут разлетаться за сто и двести долларов, больше походя на сувенир в обмен на благотворительную помощь, то я смогу продержаться даже целый год. Да что уж говорить, скромно жить и тем более выживать между прецедентами продаж искусства мы научились уже давно».

Создатель «Шара и креста» Максим Боксер тоже декларировал самые высокие цели: собрать коллекцию работ участников фейсбук-группы. «В Фонде «Шара и креста» сейчас порядка 1000 вещей, — рассказал в декабре 2020 года Forbes Life Максим Боксер. — Физически работы пока не все собраны, но постепенно собираются. Работы будут поделены на две категории – то, что мне нужно, и то, что мне по определенным причинам не нужно. С первой категорией я буду работать, оформлять. Произведения второй категории я буду обменивать и выставлять на продажу. Мы сейчас внутри группы делаем выставки и аукционы. Это совмещение образовательной и коммерческой составляющих. За время работы «Шара и креста» люди раскрепостились и открылись. Ими руководит не только желание купить недорого, а появившаяся возможность сравнивать вещи, делать из них выбор. Это уже никуда не денется. Я создаю отдельную группу для аукционов. У меня в блокноте уже сейчас записано 150 имен участников. Это люди, которых я раньше даже не знал. И если для Нью-Йорка это немного, то для России это невероятное количество новых людей, заинтересованных в современном искусстве. Во Всероссийском музее декоративного искусства уже сейчас смонтирована выставка «Выставка коллекционера», она ждет середины января. Там 10 залов, где представлено более 1000 работ, купленных 10 коллекционерами за последние полгода участия в группе «Шар и крест». Среди них есть пара художников, есть старые коллекционеры, переключившиеся на современное искусство, и есть совершенно новые люди».

«Все по 100» и уличные художники на аукционах

«Раньше по субботам я смотрел заезды «Формулы-1», теперь смотрю в прямом эфире аукцион «Все по 100», — объяснил свою внезапно обострившуюся любовь к современному искусству один из участников аукционов Vladey.

Пока мировые аукционные дома искали новые способы взаимодействия с коллекционерами — не все сразу нашли способ удержать рынок, предлагая вялотекущие онлайн-торги с огромным каталогом, напоминающим опись имущества покойного, — Владимир Овчаренко стал активно продвигать свой авторский формат торгов «Все по 100». Стартовая цена каждого лота на этих торгах — €100. Нет резервной цены аукциона. Закрыты цены продаж. В результате на всех своих аукционах за время пандемии Vladey заработал 425 млн рублей. Среди имен, ушедших на Vladey, и такие мэтры, как Эрнст Неизвестный, Илья Кабаков, Олег Целков, и молодые уличные художники. Vladey провел кураторские торги Street, где были выставлены работы 50 участников, 22 из которых дебютанты: Кирилл Кто, Миша Мост, Слава Птрк, Евгений Чес, Nootk, Zoom, Владимир Абих, Анатолий Акуе, Марат Морик, Nomerz, Wais, Zmogk, андеграундные Курил Что и Команда Той. В аукционе участвовали стрит-художники из Москвы, Санкт-Петербурга, Омска, Перми, Нижнего Новгорода, Екатеринбурга, а также из Казахстана и Грузии.

Из представителей крупного бизнеса первым тренд на уличное искусство уловил Тинькофф Банк, оплативший екатеринбургскому художнику Тимофею Раде перформанс Future — огромные горящие буквы на пустыре.

О том, как стрит-арт, по определению протестное искусство, может войти в рынок, Тимофей Радя объяснил Forbes Life: «В основе моей практики лежит простая идея — работы в городе должны быть общими и бесплатными. Хорошо, если они сделаны нелегально, то есть независимо. В галереи, музеи и частные коллекции попадает документация уличных работ. Эта объективированная форма, фотография, позволяет сохранить дистанцию между улицей (только на улице работа может быть собой) и черт знает какими местами, куда попадают мои принты. Надеюсь, что в будущем я смогу вообще отказаться от монетизации, мне это интересно меньше всего».

На ярмарке Cosmoscow в сентябре галерея RuArts отдала весь свой стенд работам Дмитрия Аске. Как сообщила Cosmoscow, продажи на ярмарке в 2020 году достигли €2,4 млн, что позволяет говорить о существенном росте по сравнению с цифрами продаж 2019 года, когда ярмарка сообщила об итоговой сумме продаж в €1,7 млн.

#MeToo в российском искусстве, усиление самосознания художников, кураторов и галеристов

«Пандемия подтолкнула нас начать процессы, до которых раньше «не доходили руки». Так родился один из ключевых проектов на российском арт-рынке не только 2020 года, но и последних лет — «Ассоциация галерей», — рассказывает Софья Троценко, президент фонда поддержки современного искусства «Винзавод». — Это объединение позволит галеристам помогать друг другу и эффективнее коммуницировать с государственными структурами. Среди участников — галереи pop/off/art, «Триумф», XL, «Треугольник», Anna Novа».

Задача ассоциации — объединить усилия по продвижению современного искусства и в России, и за границей, влиять на политику государственных музеев. Основатель pop/off/art gallery Сергей Попов отмечает, что совместными усилиями у галеристов появляется шанс менять ситуацию: «Галереи как организации часто настолько малы, что их просто не воспринимают какие-то государственные органы или крупные институции. Но сообща выступая как ассоциация, мы должны заставить государство считаться с консолидированной позицией, с совместной повесткой».

Пандемия не только всколыхнула арт-рынок, но и спровоцировала своего рода #MeToo, волну обличений молодыми кураторами музеев и фондов, инициаторов проектов в области современного искусства. В сентябре в ГМИИ им. Пушкина прошел круглый стол, посвященный скандалу, возникшему во время подготовки выставки «Немосква не за горами». Выставка в санкт-петербургском Манеже — часть пятилетней программы Nemoskva, призванной познакомить западных кураторов с российскими региональными художниками, провести деколонизацию и депровинциализацию российского современного искусства. С момента основания в 2017 году проект, придуманный куратором Алисой Прудниковой, сотрудницей ГЦСИ и куратором Уральской индустриальной биеннале, получил поддержку фонда Потанина и «Сибура». Молодые кураторы, выпускники первой кураторской школы Nemoskva в городе Сатка, были оскорблены невыполненными обещаниями организаторов. Занявшим первые три места на конкурсе проектов кураторам была обещана грантовая поддержка, то есть деньги на реализацию. Однако Nemoskva денег не дала, а обиженным кураторам пригрозила судом и юристами. На сторону кураторов стало издание AroundArt, где претензии публиковались без купюр и политкорректности. Поскольку ГЦСИ в недавнем прошлом стал частью ГМИИ им. Пушкина, музей решил разобраться в проблеме. Трехчасовая запись дискуссии на YouTube «Бегущий по лезвию: к лучшему пониманию между художниками и институциями» в рамках проекта Nemoskva — временами затянутая, но подробная иллюстрация революционной ситуации в молодом современном искусстве, то, что Ленин описывал как «Верхи не могут, а низы не хотят». Молодые кураторы не владеют языком «правильного» разговора с музеями и фондами, но и выступать с позиции униженных просителей не хотят.

Анонимы в Telegram против современного искусства

В то время как объединившиеся художники и молодые кураторы смогли привлечь внимание общества, заставили прислушаться крупные институции и частные фонды, оказалось, что власть реагирует на дискредитирующие кампании в анонимных Telegram-каналах. В этом году жертвами Telegram-блогеров стали национальный художественный музей Третьяковская галерея и крупнейший частный фонд культуры V-A-C, основанный предпринимателем и куратором Терезой Мавикой.

News.ru расследовала историю, как после информационных атак в нескольких каналах фонд V-A-C отменил фестиваль культуры трудовых мигрантов «Посольство» в парке «Фили». Однако пресс-служба фонда V-A-C не подтвердила Forbes Life взаимосвязь между этими событиями.

После информационной атаки в Telegram-каналах этой осенью с сайта Третьяковки исчезло упоминание о выставке «Многообразие-единство. Современное искусство Европы. Москва-Берлин-Париж», среди участников которой были заявлены Ансельм Кифер, Илья Кабаков, Мона Хатум, Маурицио Кателлан, Ирина Корина, Жанна Кадырова, Вольфганг Тильманс, Эрвин Вурм. К моменту публикации текста Третьяковская галерея не ответила на запрос Forbes Life.

Еще один Telegram-донос поступил на выставку «Поколение XXI. Дар Владимира Смирнова и Константина Смирнова», которая шла в Новой Третьяковке. Выпад блогеров был направлен на работу из «чеченского цикла» Алексея Каллимы «Между случайностью и необходимостью» 2008 года. В тот момент выставка уже закончилась, а работа была направлена в фонды. Третьяковская галерея воздержалась от комментариев.

Организаторов всех трех событий анонимные блогеры обвиняли в недостатке патриотизма, из чего можно предположить, что российское современное искусство вновь получило вес, способный вызывать общественный резонанс.

Новое восприятие современного искусства и новые технологи

За время пандемии кураторская группа V-A-C приняла решение изменить объявленную ранее программу открытия ГЭС-2, нового городского пространства, которое фонд откроет в пространстве реконструированной электростанции. Открытие ГЭС намечено на вторую половину 2021 года. В дополнение проекта открытия «Санта-Барбара» исландского художника Рагнара Кьяртанссона было решено пригласить российских художников и композиторов. «Было бы недальновидно открывать пространство выставкой одного художника, — объясняет Forbes Life директор фонда V–A–C Тереза Мавика. — Пандемия изменила наши приоритеты. Если до нее мы предложили иностранному художнику подготовить свой проект о России, то сейчас нам кажется важным прежде всего поддержать локальный контекст. Чтобы анонсировать«ГЭС-2, еще до открытия мы планируем представить обновленную архитектуру посредством специально созданных местными современными композиторами музыкальных произведений, которые будут звучать в пустых залах, а позже, когда произойдет официальное открытие, дополнят выставочную программу «Санта-Барбары». ГЭС-2 — это городское пространство, что значит — пространство для всех. Наша задача — вернуть его городу, заново нанести на карту Москвы. Сделать так, чтобы все посетители, оказавшись внутри преобразованного здания, могли узнать о его истории, о прежнем индустриальном и актуальном культурном значении. Чтобы исследовали его не только визуально, глазами, но и воспринимали другими органами чувств, услышали его. Мы хотим, чтобы разные зоны звучали по-разному, чтобы все пространство напоминало музыкальную шкатулку, «озвучивающую встречу города с новой институцией».

«Из-за пандемии изменил концепцию своей работы «Винзавод»: Мы запустили проекты, которые в большей мере связаны с Digital, — говорит Софья Троценко. — Самый резонансный — Digital Earth совместно с re:Store. Это первая подобная площадка для создания интерактивных произведений искусства и развития цифрового творчества в России. Таким образом мы объединяем творческий и технологический потенциал художника, чтобы создать нечто абсолютно новое».

Источник